Para el vocalista y compositor Gonzalo Turieg, buena música es aquella que presenta una clara emoción, experiencia propia, aquella que nos haga siempre sentir algo. Pero a esta cabeza, a este cerebro artística y mentalmente preparado para un proyecto musical original, le hacían falta las extremidades, el cuerpo sin el cual la ejecución de este plan no sería posible. Es aquí donde hacen su ingreso Gonzalo Bazán, baterista con tempo inmutable y alto dinamismo creativo; Jamil Suárez, guitarrista virtuoso que conserva influencias desde el blues rock hasta el heavy metal; y Luis Avalos, bajista que maneja una técnica y sentido del ritmo de una manera sumamente invariable. Es así como, a fines del año 2018, nace Gen 29: una banda peruana de rock alternativo con base de género pesado y melódico, con una emoción vívida y fuerte, unos riffs marcados, unas melodías vehementes, y que siempre expresa lo importante que es ser auténtico con uno mismo.

1. ¿Por qué Gen 29?

Gonzalo Turieg: Buscaba un nombre corto porque para mí es una gran opción lo sencillo y memorizable. Empecé aportando un sufijo para la palabra monosílaba Gen, porque pensé en un nombre propio, corto y genial, pero había una banda chilena que se llamaba G. E. N, y a pesar de que no es lo mismo, tuve que agregarle un sufijo, ya que cuando era niño muchas bandas que escuchaba tenían nombres de ese estilo: Blink 182 o Sum 41, por ejemplo. Cada número me recordaba a algo en específico, como el 10, que en el fútbol es el mejor jugador; o 18, que alude a cuando uno cumple 18; o 24, de 24 horas del día. El 29 me gustó porque es un número fresco, un número que no me hacía pensar en nada específico, que me daba tranquilidad. Pero si tuviera que atribuirle un significado, diría que Gen 29 expresa la sensación única de ser siempre fiel a uno mismo. Seguramente cada persona le da su propio sentido. Eso algo que no habíamos planeado y que nos gusta un montón.

2. ¿Son una banda de hard rock?, ¿cómo definen su estilo?

GT: Nuestra manera de hacer rock alternativo es más experimental, pero nuestra aura clásica es entre pesada y melódica. Las diez primeras canciones que tenemos son en ese estilo, las puedes comparar con Three Days Grace, The Offspring, incluso Foo Fighters o fácil Nirvana, que son bandas con las que, como te comenté, crecí toda mi vida. Si hablamos de bandas peruanas, supongo que nos comparamos con Cuchillazo y D’Mente Común, con esas bandas sobre todo porque tienen riffs súper marcados, buenas melodías, y porque cuando menos te lo esperas ese sonido se torna pesado y fuerte, lo cual hemos logrado en canciones nuestras. Ese el estilo que hemos concebido y que más nos vacila hacer, así que esperamos que la gente pueda notarlo.

3. El 15 de enero del 2019 grabaron el ensayo en vivo de la canción “Fucsia”. ¿Cómo fue tal experiencia?

GT: Estábamos ese verano del 2019, en ese entonces éramos tres integrantes, en una sala donde ensayábamos cerca de Plaza San Miguel, y justo el dueño quería hacer un sorteo, o sea, ibas al ensayo, te daba tu boleta, y con ella entrabas al concurso. Yo no creía en el sorteo porque honestamente soy un poco salado, pero tuve una corazonada que me dijo: “por si acaso debería inscribirme”, porque si ganábamos nos daban un videoclip con grabación totalmente gratis, y pensamos en ese momento que esa sería la mejor manera de empezar. Logramos coincidir todos los de la banda y (el dueño) en un horario un poco apretado, el día 15 de enero, casi a medianoche. Ninguno estaba tan nervioso, y si lo estábamos como que no se notaba. Hicimos una pasada, salió chévere, y luego hicimos dos más porque el dueño sólo daba un par de chances más, para decidir cual nos había gustado más. Me parece que fue la segunda que elegimos de plano secuencia. Elegimos “Fucsia” porque era la canción más prometedora que teníamos en ese momento. Fue súper emocionante empezar a grabar el video y ver como salía con los tracks e imágenes de lo que habíamos tocado y que nos dejaba tan empilados.

4. Los chicos de Kamikaze declararon que Luis Alberto Spinetta es uno de los compositores que ha influido notablemente en ellos.  ¿Existe algún artista que te haya marcado como letrista de Gen 29?

GT: Si vamos a hablar de cantautores argentinos, elijo fijo a Gustavo Cerati, de ley, ya sea en Soda Stereo, o como solista, una etapa en la que le tengo más feeling. Él empezó como solista a fines de los noventa e inicios del 2000. Escuché varios de sus discos, Fuerza Natural, Bocanada… y para mí Cerati es el mejor compositor de todos los tiempos porque es super creativo, super ambicioso y crítico. Ahora diría que nos parecemos más porque muchas de mis letras son super directas, pero también me valgo bastante de mi vocabulario. Desde el colegio me gustaba aprender palabras nuevas. Recién estaba aprendiendo a tocar, conociendo este mundo de la música, super mágico, pero mi manera de abordar eso, aparte de tocar guitarra, era a través de la poesía. A mí me gustaba la poesía desde el colegio, recuerdo a una profesora que me inculcó el amor por la escritura simbolista de Rimbaud, Mallarme, Verlaine, y me gustaba cómo hacían figuras retóricas, comparaban cosas, y tenían un feeling un poco tenso, un poco emo, un poco surreal. Cuando empecé a crear canciones, compaginé lo que sabía de música con lo que sabía de poesía, y eso fue más desahogante para mí. Cuando empecé a escribir mi propia poética, lo hacía con lisuras, con letras bien intensas, bien dramáticas, que fueron cultivando mi manera de escribir. Ahora mis letras son tan tensas como las del punk, o tan agresivas como las del metal, tan poéticas en general como el rock en sí. A veces soy más metafórico, otras más crudo, pero nunca, por más que una canción sea simple, la escribo de una manera impropia. Lo que busco son letras distintas, más creativas, más simbolistas, lo más directas y honestas posibles.

5. ¿Qué opinan sobre la escena musical independiente contemporánea?

GT: Por mi parte, no creo que el rock esté muriendo, pero sí creo que hay modas bien insípidas y sin sentido. Osea, me gusta la música indie, pero hay artistas indies exageradamente depresivos que te dicen “oye, mírame, estoy triste, y soy chévere porque estoy triste”. No me gusta que la depresión sea romantizada o tomada como una moda líder de esta generación, porque no creo que deberíamos romantizar la tristeza ni mediocridad, pues no deberíamos vivir en una época donde estemos aislados, sino más bien unidos para tomar la música como una manera de quemar el sentimiento de soledad, de que la vida es súper jodida, de abandono, para no dejar que los demonios se apoderen de ti. Procastinación 1 Yo 0 tiene esa onda sad, pero le ponen una complejidad más rockera o media jazzera o tienen ciertas partes bien elaboradas y bacanes que completan ese feeling. Quizá haya personas sad que lean esto y le dé igual, pero a mí no me da igual, porque no quiero una juventud que esté condenada a la depresión ni a la miseria, sino que sea emocionante, retadora, chévere, ambiciosa, que se dé cuenta de que hay corrupción, de que hay engaño, y que hará algo para cambiar y mejorar eso. Una juventud que salga adelante gracias a la música, gracias al arte. Es decir, la música debe servir para salir a flote incluso si estamos tristes, no para meternos más en el hoyo. Así que ya saben gente sad, los quiero ver centrados y contentos con su arte, no con sus caras de autogol de nuevo.

6. ¿Qué proyectos se vienen?

GT: Ya ha pasado un año desde que lanzamos “Fucsia”, pero pensamos lanzar un videoclip oficial para este single, porque lo que tenemos es un Live Session con buena edición. También planeamos sacar dos singles más y un disco.

7. ¿Cuáles son sus plataformas digitales o redes sociales?

GT: En Facebook estamos siempre activos, posteando cosas para mantener al tanto a los fans de nuestras actividades. Instagram sería nuestra segunda cuenta más importante, porque ahí posteamos videos, por lo menos una vez por semana, sobre nuestros ensayos, que tipos de estilos hacemos entre punk, grungue, metal… También estamos en Spotify, donde tenemos todo nuestro material musical, y en Youtube y Soundcloud. En cualquiera de estas nos encuentran con full rock’n’roll nuestro en todo su esplendor.

Altervox es una banda limeña de rock alternativo experimental que nació entre los años 2006-2007 cuando Jorge Sotelo (voz y guitarra), Edson Rossel (bajo y coros) y Edwin Ramos (batería) eran compañeros en la secundaria. En el 2010 empezó a realizar presentaciones y crear un repertorio de temas propios del cual aún quedan registros. En el 2014 ingresa a la banda Pierre Moyano en teclados y 2da guitarra. En el 2016 Pierre se ve obligado a dejar la agrupación por problemas personales. Luego de esto la banda pasa por algunos periodos de inactividad hasta que a finales del 2018 se une el guitarrista Renzo Deville, con lo que regresa renovada con temas antiguos y nuevas canciones. Actualmente se encuentra culminando la producción de 3 singles que formarán parte de su 1er álbum, así como la realización del videoclip de la canción «El Umbral». 

¿Cómo nace Altervox?

Edson Rossel: La banda nació hace bastantes años. Nos conocíamos desde la época del colegio y decidimos formar una banda. Jorge tocaba la guitarra y, aunque no tenía mucha noción, me convertí en el bajista. No sabíamos quién iba a tocar la batería, pero en ese momento apareció nuestro compañero Edwin, que también era nuevo en esto, para apoyarnos. Así fue cómo empezó este “otro rock” con el que intentamos hacer música propia. Justamente Altervox significa “otra voz” o “voz alternativa” en latín, y eso era lo que queríamos: buscar algo que sonara distinto.

El 22 de octubre lanzaron “Al pie del acantilado”, gracias a Control Z Producciones. ¿Es un homenaje a Julio Ramón Ribeyro, el cuentista más querido por los jóvenes peruanos que alguna vez lo leyeron en sus años de infancia?

Jorge Sotelo: Sí. Es un tema que escribí en el 2010. Se podría decir que en las letras hay bastante de esta nostalgia, de esta frustración del peruano por no ser exactamente exitoso en las cosas que le toca vivir. Me acordaba mucho de uno de los cuentos que había leído de Ribeyro, que era “Al pie del acantilado”, y si bien en la canción no hablo específicamente del cuento, tenía la sensación de tener que ir a algún sitio a la orilla del mar, y pensé que era una buena oportunidad para rendir tributo a este escritor que tanto me gusta. 

¿Sienten que existe en las canciones de la banda una nostalgia por la música indie de los noventa?

JS: Soda Stereo era una banda que me gustaba mucho por el tema musical de su nostalgia. En cuanto a temas de letras, me marcó bastante la manera de escribir de Kurt Kobain, y eso es raro porque yo no había escuchado grunge hasta los quince o dieciséis años, pero cuando encontré el género y sus traducciones líricas en youtube, me identifiqué con la letra de muchas de esas canciones porque fueron muy especiales. Suelo analizar bastante cualquier situación: el hecho de estar sentados aquí de repente y conversar de cualquier cosa, por ejemplo, y que te quedes divagando, pensando en eso. Estas influencias, estas identificaciones nostálgicas y analíticas están muy presentes en nuestras canciones.

¿Cómo hacen para producir su material y promocionarse en la escena independiente local?

JS: Una de las cosas buenas que hemos tenido es un espacio donde ensayar, que es la casa de nuestro baterista. Por eso decidimos adquirir equipos para grabar allí mismo: la interface, una pequeña amplificadora, micros… Luego tuve la oportunidad de llevar algunos cursos sobre Ingeniería de Sonido, y aproveché para hacer un proyecto aparte, como una especie de experimento-aprendizaje con canciones, grabarlas y ver cómo me sale, para ver si aprendí bien ese tema de la Ingeniería de sonido, porque es un mundo aparte de la música. En ese aprender me di cuenta de que grabar en un estudio profesional tiene sus ventajas también, pero requiere una inversión más fuerte, y a veces no es eso lo que determina la calidad de la creación, sino lo que uno quiera transmitir a través de la música.

¿Es cierto que además de las clásicas zonas del Centro de Lima o de Barranco hay un fuerte repunte musical en el Cono Sur?

JS: Desde hace algunos años, calculo el 2015 aproximadamente, se ha creado una movida fuerte en el Cono Sur de Lima. No conozco personalmente a las bandas de esa zona, pero imagino que sí han logrado trabajar bastante bien para haber conseguido lo que vemos desde hace unos años en festivales realizados en Villa El Salvador. Hablamos de bandas que a pesar de ser independientes están comenzando a tener mayor notoriedad. Son un buen ejemplo para aquellos que aspiran a hacer música por su cuenta, para que vean que hay que esforzarse para conseguir algo y ser más profesional.

¿Han escuchado hablar de las nuevas bandas en la escena independiente que se caracterizan por tener letras sad y una estética anime?

JS: 16 Bits es una banda que he podido escuchar, y en las intros de sus canciones he podido notar esta influencia anime. Me parece algo nuevo para la escena peruana, y tal vez hasta latinoamericana. También he observado una tendencia actual hacia temas un tanto tristes. Me parece curioso que se haya vuelto como la nueva corriente del rock indie de esta última época, cuyos oyentes son de veinte años. Es una generación un poquito posterior a la mía, tal vez por eso no me siento tan identificado y los observo curiosamente, un poquito más a la distancia.

¿Han tocado o grabado algún material musical en colaboración con otras bandas o solistas?

JS: Renzo, nuestro guitarrista, no iba a poder tocar durante un par de meses porque la tesis no le daba tiempo. Entonces pensé que, para cubrir su ausencia, podía hablar con Nando y Mafer (guitarra y voz respectivamente) de Jack Calandria para que nos apoyarán en nuestra canción «Glacial», para tocarla en una presentación de Miraflores específicamente, y ellos aceptaron. Fue así que ensayamos la canción durante un mes. Ellos aportaron nuevas ideas propias de su estilo, lo cual me resultó bastante interesante.

¿Cómo los contactamos?

ER: Pueden buscarnos en Facebook, Youtube, Instagram, SoundCloud y próximamente en Spotify como “Altervox”. En SoundCloud van a encontrar demos de nuestra primera etapa, material de un Ep que grabamos en el 2013, y próximamente estarán saliendo los singles de esta nueva etapa que promete.

Como la tercera es la vencida, entramos un viernes a fines de mayo al Museo Gráfico del Diario El Peruano (valió la pena colarnos en una visita de estudiantes upecinos que, al final, resultaron ser de nuestro instituto). Como no había una maestra Lupita que organizará a mis compañeritos para que entraran en orden al recinto histórico, nos ofrecieron una guía por la que nos habían hecho esperar hasta las tres de la tarde (que en realidad fue cuatro): una mujer de base seis, rubia natural (eso sí), pero con un extraño acento peruañol que supo capturar nuestra primariosa atención con prometedores premios (luego supimos que este inocente estímulo era parte del presupuesto destinado a los souvenirs de los visitantes).

Como el recorrido mural de los fundadores de la prensa me pareció aburrido, aproveché para pulir mis habilidades como fotógrafa (la colosal rotativa del año de la pera fue mi primer experimento). Una hora después, llegamos a la Hemeroteca. No sé si fue el olor a madera bañada en formol, pero sentí que (en una milésima de segundo) estaba en medio de una malísima pero ilustrativa copia de la biblioteca de Babel. Luego bajamos a las profundidades de la Sala de Archivos Periodísticos. Allí un viejo archivador con pinta de funes sanmarquino nos mostró con envidiable orgullo el tesoro bíblico de la casa: el archivo gráfico de La Crónica sobre nuestra tan querida (e irónicamente olvidada) realidad peruana. Ver la plaza Bolognesi, el Teatro Colón y otras bellezas arquitectónicas de la Lima de los primeros años de la República fue hermosamente aleccionador (y saber que Martin Chambi fue uno de los responsables de aquellas maravillas fue algo aún más increíble). Pero ni siquiera eso se comparaba con lo que vería a continuación: la foto en tamaño original de Enrique Verástegui (en ese entonces jovencísimo periodista del diario en mención) entrevistando al gran poeta miraflorino Antonio Cisneros. Lamentablemente, tuve que dejar a mis maestros para subir a la Zona de Prensa. Nunca en mi vida había visto a tantos editores, reporteros y diseñadores gráficos reunidos en una sala tan pequeña pero bien equipada (tecnológicamente hablando) y acalorada por su increíble adrenalina informativa.

Finalmente, llegamos al set de televisión del grupo Andina (el favorito de los chicos de audiovisuales). Un juego de luces iluminaba la copia de una salita de estar expuesta a cuatro cámaras (una con teleprónter) dispuestas en todos los planos posibles a cubrir. No pudimos ver un programa en vivo, pero el director de producciones respondió (no sin irónica sinceridad) a todas nuestras dudas, sobre todo a la clásica ¿cuánto gana un comunicador? (ya sabía la respuesta, pero como dice la sabiduría popular: “siempre es bueno estar informados”). Antes de irnos, nuestra carismática guía nos entregó los presentes prometidos: un simpática libreta (de evidentes logo prensil) y algunos folletos para recordar la memorable visita anunciada (lástima que no se dio cuenta de que ya había recibido el mío en la Sala de Archivos).